Toujours libre

“La vie ressemble a une belle musique qui charme, qui plaît et dure peu.” (Christine de Suède, Maximes et Pensées, 1682)

Le 29 Novembre, Paris se parait des bijoux soyeux de l'automne en majesté. L'Avenue Georges Mandel et ses platanes que Maria Callas aimait tant, sombraient petit à petit dans la folle ivresse lumineuse des nuits parisiennes. À deux pas de la Tour Eiffel, éclatante et fière victoire de la France et son destin, s'étendait sous les petites gouttes de pluie le large boulevard essaimé de résidences à la pierre colossale et sculptée. Au 43, sise dans un palais de la Belle Époque où l'on s'imagine aisément les silhouettes délicates de Boni de Castellane ou Robert de Montesquiou, rejetons d'un temps qui ne se retrouvera que dans les fleurs irisées de Marcel Proust ou les pages caustiques de Henry James. Et pourtant la Fondation Singer-Polignac donnait ce soir une soirée baroque. Franchissant la grille et le portail, montant l'escalier et le vestibule aux tapisseries d'Aubusson, le chroniqueur sentit le suave parfum des soirées surannées des années 1910, avant la boue et la grisaille du XXème siècle barbare, une bulle sublime d'une douceur de vivre harmonieuse et légère.

Quand s'ouvrirent les portes du somptueux salon de musique de la Princesse, où les ors et les miroirs confondaient en un faste baroque les temps et l'espace, nous pénétrâmes le cénacle du passé, la permanence conjuguée d'un présent qui, par un raffinement extrême, ne court pas vers un avenir piaffant et imparfait. Tout à coup entra le baroque personnifié, Philippe Beaussant, ci-devant membre de l'Académie Française et Immortel pour tout baroqueux depuis 30 ans. À l'origine de cette soirée autour de la reine Christine, Philippe Beaussant allait nous introduire en un prélude historique romancé  la “Vita Cristinam” de cette femme hors pair.  Sa passionnante narration laissa place aux musiciens de l'Ensemble Clématis, avec à leur tête le souriant Leonardo García Alarcón. Mais soudain du fond de la salle, drapée de blanc virginal et fantomatique, telle une apparition d'un temps jadis, la sublime soprano Mariana Flores fit frémir les antiques dorures sous ses aigus passionnés.

Le programme fut exécuté à la perfection dans la profondeur de la sensibilité des membres de Clematis. Ce cabotinage musical de la Suède à l'Italie en passant par Innsbruck et la France montre à quel point la personnalité de Christine de Suède était liée à la musique et aussi combien la culture était foisonnante en Europe. Nous avons été subjugués littéralement par les extraits splendides de cet Ulisse de Gioseffo Zamponi que la souveraine nordique a tellement goûté et que prochainement l'Ensemble Clématis enregistrera. Durant toute la durée de la soirée les passions ont été sollicités, les affects que portaient les instrumentistes de l'Ensemble Clématis et la voix pourprée de Mariana Flores ont traversé les temps et nous ont fait frémir et ont réveillé la cavalcade fougueuse des temps endormis.

Après le rafraîchissement qui combla cette soirée digne des anciens princes, le pas du mélomane quitta les abords de la Fondation Singer-Polignac. Le pas se fit plus lent, sur le ciel se jouait le concert éternel des feux diamantins des astres silencieux, et la pluie en offrande avait laissé sur le bitume, les plaques de jais qui les secondaient dans un écho fastueux, digne de cette Forza delle Stelle dont Christine avait compris la puissance tutélaire.

Pedro-Octavio Diaz
 

Klassiek: Meerstemmig sexappeal (* * * * *)

vrijdag 26 augustus 2011 om 14u37


De essentie van Laus Polyphoniae is het loven van de polyfonie in al zijn vormen, gedaanten en kleuren. Met “Sons Portugueses”, het thema van deze editie, gunt het festival ons ook een blik op de zuiderse variant ervan. Een avondje Matheo Romero (ca.1575-1647) in het gezelschap van de sensuele Cappella Mediterranea & Ensemble Clematis heeft mij één ding geleerd: laat de Franco-Vlaamse polyfonie even grillen onder de mediterrane zon, en je krijgt iets veel pikanter dan we in de koele Nederlanden gewend zijn. In het geval van Matheo Romero’s verspaanste madrigalen, is de flamenco niet veraf. De contrapuntische schrijfwijze is zodanig verdoezeld door de ritmische virtuositeit en de melodische kracht van één stem, dat elk spoor van academisme vakkundig gecamoufleerd is.

Wie was Matheo Romero? Eerst heette hij Matthieu Rosmarin. Als zoon van rijkelui uit Luik, kon hij zijn muzikale opleiding als kind voortzetten aan de muziekkapel van het Spaanse hof, de beroemde Capilla Flamenca onder Filips II, later Filips III. Daar bracht het koorknaapje het op zijn dertigste tot kapelmeester en priester (in 1605) én volleerd componist van missen en motetten, naast profaan entertainment: dansante liedjes als romances, villancicos, folias,... Al dit fraais vertoont onmiskenbaar invloeden uit Italië: de ingetogen eenvoud van de monodie, de meerstemmige poëzie van het madrigaal, de vocale virtuositeit van de opera. Gekruid met Spaanse ingrediënten (taal, temperament, instrumentarium) levert het een zeer bijzondere vorm van polyfonie op.

De toekomstige koning van Portugal, Joao IV, was zeer lovend over Romero en zorgde dat de partituren van de Spaanse Luikenaar een veilig onderkomen kregen in zijn koninklijke bibliotheek. Voor de natuurkrachten is echter niets veilig. Honderd jaar later maakte een zware aardbeving de koninklijke bibliotheek met de grond gelijk. De hele collectie ging verloren. Ook de brand in het Alcazar in Madrid (1734) legde Romero’s partituren in de as. Er rest ons nog slechts een fractie van zijn oeuvre, en dat dankzij het feit dat zijn werk destijds tot ver over de grenzen verspreid was geraakt: Mexico, Guatemala, Peru, Bolivia, Sicilië, Italië – allemaal landen die toen tot de Spaanse kroon behoorden.

Romero’s werken, of wat ervan rest, kan echter niet meer stuk. “Ze zingt met haar hele lijf”, ging meteen door mijn hoofd toen Mariana Flores nog maar drie maten ver was in de opwindende vierstemmige folia waarmee het concert opende: A la dulce risa del alva (bij de zoete lach van de dagerraad). Deze heupwiegende lofzang op de liefde bij het ontluiken van de dag, was voor mij als een ontluiken van muziek die te lang ingedommeld was. Ik voelde het hele concert lang regelmatig een schok van ontroering, had fysiek soms zin om mee te neuriën, voelde spijt dat ik niet zelf tussen die zangers stond, of nooit een opleiding flamenco had genoten. Zo fysiek en zintuiglijk is deze muziek. Flores is bovendien een raspaardje dat haar wortels in de Argentijnse aarde niet ontkent maar integendeel volop uitspeelt en daar een publiek moeiteloos mee inpakt. Aangevuld met de al even krachtige stem van Capucine Keller, de honingzoete contratenor van Fabian Schofrin en de melancholieke inbreng van Fernando Guimaraes, was het tegelijk genieten én emotie wegslikken. De samenzang was betoverend, het samenspel van een hogere sensuele orde. Castagnetten en belletjes, vihuela en harp, wondermooie percussie uit het mediterrane gebied, viool en gamba, een speels blokfluitje, een orgeltje met aan de toetsen een shakende dirigent Leonardo Garcia Alarcon.

Folia… zotheid, inderdaad. Dat priesterwijdingen geen garantie voor kuisheid zijn, merkte ook mijn buurman op: “Dat kon toch geen kuise pastoor geweest zijn…” Wij laten dat allemaal in het midden. Wat wél vast staat is dat Romero lééft. Het programma zoals het gisteren in de nu helemaal gerestaureerd Augustinuskerk klonk – een streling voor het oog en oor! - , werd vorig jaar al door Cappella Mediterranea & Ensemble Clematis op cd gezet (Ricercar). Titel: Romerico Florido (rozemarijn in volle bloei). Een gepaste titel voor deze kruidige vorm van polyfonie.

Greet Van ‘t veld



Gehoord op 25/8 in Sint-Augustinuskerk (Amuz) Antwerpen

GRAMOPHONE, April 2011

Matheo Romero

Entre dos mansos arroyos. Romerico florido. Coraìon donde estuvistes? Hermosas y enjojadas. A la dulce risa del alva, Ay, quÄ muero de zelos!. En este inbierno. Caòase de un espino. Volaras pensamiento mio. Fatigada navecilla. En una playa amena. Pescador, que das al mar Ensemble Clematis; Capella Mediterranea / Leonardo Garcia-Alarcon Ricercar RIC308 (61'. DDD)

A revelatory rediscovery: the exuberant music of Mateo Romero
Mateo Romero (or Matthieu Rosmarin, cl575-1647) is one of those composers who has fallen through the gaps of history, rather like his contemporary Peter Philips. Performances are rare and recordings have been sporadic, so this second disc of music by him from Ricercar is very welcome. Romero was born in LiÅge but left for Madrid at the age of 10 and studied with Philippe Rogier; though he thoroughly absorbed the Franco-Flemish contrapuntal agility ofhis master, works such as those collected here also show how completely he adopted the Spanish idiom. Leonardo Garcia-Alarcon makes rather a point of this in his note on the music, as well as drawing attention to the continuity of this style in Latin America, where Romero's works were widely known, even to the point of noting the resemblance between the composer's Aquella hermosa aldeana to the anonymous Peruvian Hanacpachap cuisicuinin, which is undeniable. There is, in fact, something of a Latin American exuberance about many of the performances here, with plenty of use of vihuelas and percussion: Romerico florido is a particularly successful example and an excellent vehicle for the lovely voice of Mariana Flores. Whether it is exactly appropriate is one of those questions that one ought to ask but which seems ultimately irrelevant in the face of the revelation of such fine music, superbly recorded. Ivan Moody

Leonardo García Alarcón et l’ensemble Clematis - Ivresse frescobaldienne

A l'évidence, les fées se sont penchées sur le berceau de l'Argentin Leonardo García Alarcón, ce surdoué qui, tout ensemble chef, claveciniste et organiste, a le désir baroque chevillé au corps. En tout cas, c'est un vrai bonheur de le voir se prodiguer, coeur ardent mais esprit lucide, à la tête de l'ensemble Clematis (un nom qui renvoie à la clématite, symbole, dans le langage des fleurs, de l'idéalisme et de la créativité). Une direction qu'il partage, en fait, avec la violoniste Stéphanie de Failly qui fonda la formation en 2001.

Familier de Monteverdi (on n'a pas oublié le Couronnement de Poppée voluptueusement dramatique qu'il conduisit au Festival d'Ambronay 2009). García Alarcón vient de revisiter Girolamo Frescobaldi, autre chef de file du Seicento, en l'église des Billettes. Nul prétexte commémoratif à cela, mais simplement le désir de prolonger en salle l'heureux effet généré au disque par l'album « Il Regno d'Amore » (Ricercar).

Au delà, l'ombre de Monteverdi se profile souvent, preuve des nombreuses affinités existant entre les deux maîtres, encore que Frescobaldi n'ait jamais écrit, semble-il, pour la scène. Reste que sa palette expressive est riche de tous les moyens rhétoriques du « parler en musique » inventé par la Camerata florentine et, par voie de conséquence, du recitar cantando, ce vecteur essentiel de l'opéra primitif, devenu réalité avec l'Orfeo du Crémonais, représenté en 1607.

Plus en détail, les deux recueils d'Arie Musicali per cantarsi nel gravicembalo e tiorba (de 1 à 3 voix) que publie Girolamo en 1630, étaient au coeur de la sélection opérée par les interprètes de Clematis, chez qui un confondant activisme agit à tous les pupitres. Avec le canto de la soprano Mariana Flores, argentine comme Garcia Alarcon et dont la virtuosité et la théâtralité sans apprêts s'avèrent tout simplement irrésistibles (l'amour en est naturellement le sujet principal, mais le regard religieux s'y devine aussi, comme dans bien d'autres registres du Baroque, sans parler du sentiment de nature hérité de l'ère madrigalesque).

Quant aux pièces instrumentales complétant cette guirlande festive, García Alarcón et les siens y sont pareillement en leur jardin, faisant pleine provision de rythmes et d'affetti bigarrés. Aussi bien, la structure du présent programme est articulée comme les actes d'un opéra (Amor vittorioso, Lagrime d'amante, etc.), jusqu'aux accents du Bal (al Ballo) culminant dans un Air de passacaille qui s'interrompt parfois lorsque l'amant retourne à ses pensées secrètes pour faire place à un récitatif vrillant. Sentiment feint ou vrai théâtre ? Toujours est-il qu'avec ces alternances d'arias et de stile recitativo, l'organiste de Saint-Pierre de Rome ne propose pas moins qu'un modèle de la cantate de chambre à naître. Avec pour le public d'aujourd'hui, gagné par l'effervescence de l'exhumation, une espèce d'ivresse communicative, nonobstant une exaltation du geste baroque qui ne sera pas du goût de certains puristes, mais que, personnellement, j'ai trouvé à la fois conviviale et salutaire, chaque pièce tendant à s'y faire « dramma per musica » miniature, « un bijou de l'esprit humain propre à exacerber le geste, mais tout autant à rechercher l'intensité intérieure ».

Roger Tellart

Paris, église des Billettes, 28 janvier 2011

La collection de Jérôme Lejeune avait révélé MatheoRomero aux discophiles avec l'enregistrement d'une belle messe à triple chœur, par Jean Tubéry. Elle s'attache aujourd'hui à la musique profane de ce Liégeois né Matthieu Rosmarin, admis vers l'âge de dix ans comme chantre dans la fameuse Capilla Flamenca madrilène; son nom est hispanisé en 1594, et jusqu'à sa mort, il servira la chapelle royale.

Ce florilège de chansons et de danses assez simples sur la page laisse parfois deviner l'influence des monodies accompagnées italiennes. Si les romances paraissent presque archaïques, dans la tradition des grands cancioneros du siècle d'or espagnol, les letrillas (superbe Ay qué me muero de zelos) et les folias irradient une séduction poétique et une profondeur expressive d'une troublante modernité.

Leonardo Garcia-Alarcon, dauphin de Gabriel Garrido, et son ensemble vocal latin répondent sensuellement aux instruments de l'ensemble Clematis. Un écrin coloré, avec flûtes, cornet, cordes frottées et pincées, et une percussion discrète et efficace accueille les voix. Les parties de dessus et de basse sont privilégiées, parfois au détriment de la lisibilité de la polyphonie et des voix intérieures, mais au bénéfice de la modernité expressive de cespièces tour à tour pleine d'âme, de fuego et de channe. Ainsi, ces miniatures à l'hispanité radieuse brillent des feux mêlés des traditions flamandes, ibériques mais aussi italiennes pour illustrer le somptueux crépuscule de la Capilla . Flamenca. (Diapason, Janvier 2011, Denis Morrier)

Pour des raisons historiques, les artistes du Nord ont trouvé en Espagne une terre d’accueil particulièrement favorable qu’ils soient peintres, comme Hans Memling ou Jheronimus Bosch, ou musiciens, ainsi que l’atteste la fondation, par Charles Quint, d’une Capilla flamenca (« chapelle flamande ») implantée à Madrid dès 1516, où officièrent, entre autres, Gombert et Manchicourt. C’est sur la production profane d’un compositeur qui lui fut attaché que se penchent aujourd’hui Clematis et des chanteurs issus de la Cappella Mediterranea, dirigés par Leonardo García-Alarcón, dans une remarquable anthologie intitulée Romerico florido que vient de publier Ricercar.



Plus que la carrière couronnée de succès d’un étranger hors de son pays natal, c’est l’histoire d’une parfaite acculturation que nous conte le parcours de Matheo Romero. Né Matthieu Rosmarin dans une famille aisée de Liège vers 1575, il est envoyé à Madrid à la mort de son père pour y être employé en qualité de chantre au sein de la Capilla flamenca, alors dirigée par Philippe Rogier (c.1561-1596). Il y suit l’enseignement de ce maître durant huit ans avant de prendre à son tour la tête de cette institution, à l’avènement de Philippe III en 1598. À partir de cette date, celui qu’on ne désigne plus, depuis quatre ans, que par son nom espagnolisé ou par le surnom évocateur de Maestro Capitán, connaît une brillante ascension qui va faire de lui un des musiciens les plus en vue de tout le monde hispanique de son temps, comme en atteste la large diffusion de ses œuvres, de Naples jusqu’au Mexique. Ordonné prêtre en 1605, il devient le professeur de musique du futur Philippe IV dont l’amitié lui vaut, lors de l’accession au trône du souverain en 1621, le titre prestigieux de greffier de l’Ordre de la Toison d’Or. Ayant pris sa retraite en 1634, Romero meurt à Madrid en 1647.

La musique profane de Romero est passionnante à plus d’un titre car elle se présente comme un creuset où se mêlent le crépuscule et l’aurore de deux univers musicaux, ainsi que des influences venues de toute l’Europe, ce qui n’a rien de surprenant lorsqu’on connaît la vie du compositeur, qui lui a permis d’être au contact des principaux courants artistiques de son époque. D’un point de vue formel, si les traces d’une conception polyphonique encore renaissante sont encore bien perceptibles, notamment dans les pièces à 3 ou à 4 voix, elles cohabitent avec des tentatives de se couler dans le moule du madrigal, voire de la monodie accompagnée qui éclosent alors en Italie, tandis que des éléments hispaniques d’inspiration populaire, particulièrement évidents dans les pièces les plus dansantes, côtoient une rigueur d’écriture d’ascendance franco-flamande et une exigence d’expressivité tendant vers toujours plus d’individualisation et de théâtralité qui se ressent des expériences italiennes contemporaines. Si on tient à le résumer en quelques mots, l’art de Romero apparaît donc comme une floraison méridionale vigoureuse et chamarrée qui s’épanouirait en se nourrissant grâce à de solides racines septentrionales.



Le choix des œuvres qui composent Romerico florido (« Le petit romarin fleuri »), pièce que l’on peut considérer comme un autoportrait musical, soigné et souriant, de Romero, est particulièrement pertinent, car il permet d’explorer les multiples facettes de l’inspiration du compositeur, de l’ivresse de la danse à des effluves nettement plus mélancoliques (¡Ay, qué me muero de zelos, « Ah ! Je meurs de jalousie »). Les textes y parlent majoritairement des joies et des peines d’amour, sur un ton arcadien bien dans l’air du temps, parfois relevé d’un savoureux trait d’ironie (Coraçón, ¿dónde estuvistes?, « Mon cœur, où étais-tu ? »). Comme on pouvait s’y attendre, les instrumentistes de l’ensemble Clematis (photo ci-dessous) et les chanteurs issus de la Cappella Mediterranea, qui nous avaient régalés, au printemps dernier, d’un étincelant disque Frescobaldi, sont ici dans leur jardin et nous offrent un récital d’anthologie. Le mot qui me vient le plus spontanément à l’esprit est celui de naturel, tant leur lecture, tout en étant parfaitement idiomatique, ne tombe jamais dans la surenchère, respectant toujours cette juste mesure qui distingue les véritables artistes des poseurs. Il irradie de cet enregistrement une vitalité et une envie qui illuminent chaque morceau, réussissant tout à la fois à faire danser la nostalgie et à ne pas réduire la jubilation à une simple ébullition superficielle. Indubitablement, ce florilège a du cœur et il le donne sans compter. ensemble clematisL’ensemble Clematis, qui se bonifie disque après disque, confirme les qualités de chaleur et de solidité technique relevées dans Frescobaldi. La formation est ici plus étoffée, mais elle continue à enchanter par sa discipline, sa complicité, sa souplesse et le déploiement de couleurs qu’elle offre, aussi à son avantage dans le rôle d’accompagnateur que dans les deux pièces instrumentales où elle occupe seule la scène. Les chanteurs sont excellents et si la prestation sensuellement lumineuse de Mariana Flores est un des bonheurs incontestables de cette anthologie, il serait injuste de passer sous silence les qualités vocales de Capucine Keller, Fernando Guimarães et Fabian Schofrin qui la portent aussi par un investissement dramatique de tous les instants. Les quatre chanteurs incarnent réellement les personnages ou les situations, qu’ils font passer du statut de convention à celui de réalité tangible, palpitante. C’est de l’excellent travail, mené avec un véritable esprit de troupe où chacun vient avec les atouts qui sont les siens sans jamais chercher à tirer la couverture à lui. Maître d’œuvre de cette réussite, Leonardo García-Alarcón dirige ses troupes avec la fougue et l’intelligence qui sont en train de l’installer pour longtemps, sauf accident, au rang des directeurs d’ensembles baroques qui comptent. On devine sans mal le mélange d’exigence et de liberté qui caractérise sa vision de ce répertoire ; il fait mouche, soude les musiciens dans un même élan et l’enthousiasme contagieux qui irradie de cette réalisation emporte infailliblement l’auditeur.

Assurément, ce Romerico florido aussi flamboyant que sensible est une des parutions discographiques les plus vivifiantes de cette fin d’année et je vous le conseille sans aucune hésitation. Il représente le couronnement d’une année faste et passionnante pour Clematis, la Cappella Mediterranea et Leonardo García-Alarcón, artistes attachants qui nous réservent d’autres belles surprises pour 2011, et constitue une preuve supplémentaire que la curiosité et la jeunesse du cœur sont toujours plus payantes que la routine dans laquelle s’enlisent aujourd’hui bien des ensembles baroques.

La photographie de l’ensemble Clematis est de Marie-Emmanuelle Brétel, dont le site Internet peut être consulté en suivant ce lien.
Par Jean-Christophe Pucek - Publié dans : Gemmes

ROMERO

Romerico florido

La musique profane d'un Liégeois, Matthieu Rosmarin, à la cour des rois Philippe (III et IV). Le tout enlevé avec une vivacité voltigeuse par l'ensemble Clematis et la Capella Mediterranea sous la baguette savoureuse et imaginative de Leonardo Garcia-Alarcon.

FRESCOBALDI: Il Regno d’amore - Mariana Flores, soprano/ Clamatis Ensemble/ Leonardo Garcia-Alarcon - Ricercar RIC300, 61:03 [Distr. by Allegro] *****:


Although known primarily from his position as organist at St. Peter’s in Rome, and for his keyboard works, many of Frescobaldi's most attractive, even seductive, compositions are linked to Florence and the Grand Duke of Tuscany.

Led by Leonardo Garcia-Alarcon, the superb Clamatis ensemble (violin, harp, bass viol, theorbe, guitar, harpsichord and organ) offers ten arias taken from the composer’s two books of “Arie musicali,” presented in counterpoint with a selection of his instrumental “Canzoni.“ They are organized in three parts (secular love, sacred love and the dance) interwoven with toccatas and passacaglias which taken together constitute a generous helping of the complete “Regno.”

Raised in the stylistic Baroque school of Gabriel Garrido, Garcia-Alarcon loves to use as many continuo instruments as can be comfortably accommodated, including guitar, harp, harpsichord, bass viol, theorbe and organ, and is totally willing to replace a second voice, as in “Se m’amamte, io v’adoro” or “Begli occhi” with a bass viol and violin. The rich instrumental apparatus never threatens to cover the solid soprano of Mariana Flores, nor to disturb the tender arcadian delights or dolorous lamentations of Mary at the foot of the Cross.

The enchanting sound was recorded in the Notre-Dame de Centeilles church, notable for its 14th and 15th century frescoes and Roman mosaics, in the Languedocian town of Siran, near the Mediterranean. Jerome Lejeune's liner notes are equally enchanting, and insightful as well which, for Frescobaldi, is a welcome change of pace.

-- Laurence Vittes

Une main qui rentre dans la chair d'une femme. Ce CD offre un écho musical à la sensation suscitée par la sculpture du Bernin et nous révèle un pan inconnu de la création de Frescobaldi trop vite réduit à n'être que l'austère organiste de Saint-Pierre à Rome. Grâce à l'émouvante Mariana Flores et à l'ensemble Clematis, le geste baroque se met au service d'une
émotion intérieure. S. M.

Sensual Frescobaldi

Pablo J. Vayón

El Ensemble Clematis firma un
monográfico para Ricercar


Asistente durante años de su compatriota Gabriel Garrido en el Ensemble Elyma, hace tiempo que el clavecinista argentino Leonardo García-Alarcón tomó con fuerza las riendas de su carrera lideran- do conjuntos como la Capilla Mediterránea o el Ensemble Clematis, un grupo asentado en Bruselas con el que ahora hace en Ricercar un bellísimo recorrido por la música de Girolamo Frescobaldi.

La base del programa son las arias monódicas publicadas por el compositor en dos colecciones florentinas de 1630, piezas que canta espléndida- mente la soprano, también argentina, Mariana Flores, a la que, confieso, no conocía antes de este registro. Con un canto elegante, fresco y natural, de fraseo fluido, gran belleza tímbrica y soberbio dominio estilístico de los recursos ornamentales, Flores conquista desde el Se l’aura spiraabsoluta- mente seductor con el que se abre el CD. La sen- sualidad está también admirablemente explotada en Begli occhio en Gioite selve, donde se potencia igualmente un tono de raíz popular apoyado en el color y el ritmo. Pero la versatilidad y ductilidad de la joven soprano le permiten encontrar de la misma forma la apasionada fuerza dramática que exigen temas como Ohimè che furo Così mi dis- prezzate, el patetismo de Maddalena alla croceo la dulzura exquisita de Ti lascio anima mia.

Los acompañamientos, con mezclas variadas de violín, viola da gamba, arpa, tiorba, guitarra, clave y órgano, funden estupendamente con la voz de la solista, buscando potenciar en cada caso el sentido y la retórica de los poemas, con dominio de combinaciones eufónicas, dulces y sugerentes. Las piezas vocales se van alternando con música instrumental del compositor (fundamentalmen- te, canzonas), que suenan en versiones igualmen- te variadas en timbres y articulaciones, con un tratamiento flexible en materia de fraseo y ritmo.

Il nuovo Cd proposto dall’etichetta belga Ricercar (che in occasione dei 30 anni di attività si rinnova nella grafica dei propri packagin) è tutto dedicato a Frescobaldi. Nome noto, certamente, che proprio in questo ultimo periodo è stato oggetto delle attenzioni da parte di Brilliant Classics che ha dato vita ad un’altra delle sue famose “edition” dedicata al Ferrarese.

Ma quasi nessuno, fino ad oggi, si era concentrato sul repertorio vocale di Frescobaldi.

L’ensemble Clematis diretto dal bravo Leonardo Garcìa-Alarcon regala dunque un immaginifico programma: l’idea di base è quella di proporre un’ideale opera vocale che Frescobaldi non ha mai scritto. Troviamo così brani strumentali e vocali perfettamente miscelati fra loro. La musica ovviamente è tutta originale di Frescobaldi e ai brani vocali derivati dalla raccolta Arie musicali fanno da contrappunto brani puramente strumentali inseriti nella raccolta di Canzoni. Anche questi ultimi di rarissimo ascolto, per cui il risultato è un Cd che ha il sapore dell’inedito.

5 stelle assolutamente meritate per un disco meraviglioso, realizzato secondo una prassi precisa e rigosora, come viene ben dimostrato dalla realizzazione del basso continuo, mai così ricco e vario.

Girolamo Frescobaldi (1583-1643)

L’Ensemble Clematis propose une sélection de dix airs puisés dans les Arie musicali. Il organise son programme en trois parties (l’amour profane, le sacré et la danse) qu’il enrichit de pièces instrumentales, telles toccatas, passacailles et canzone de façon à réussir une visite complète du Regno d’amore annoncé en titre et évoqué dans l’air « Begli occhi ». Formé à 1’école du baroque foisonnant de Gabriel Garrido, Leonardo García-Alarcón se plait à étoffer la basse continue (guitare, harpe, clavecin, basse de viole, théorbe, orgue) et n’hésite pas à remplacer la seconde voix dans « Se m’amate, Io v’adoro » et « Begli occhi » respectivement par une basse de viole et un violon. Ce riche appareil instrumental ne masque heureusement jamais la voix corsée et toujours respectueuse du texte de Mariana Flores, des tendres réjouissances arcadiennes aux douloureuses lamentations de Marie- Madeleine au pied de la Croix.
Philippe Venturini (CLASSICA, Octobre 2010)

Girolamo Frescobaldi ? L’homme des toccatas, le compositeur de nombre d’œuvres pour orgue ? Tel est le portrait réducteur qu’on a souvent de ce grand maître du baroque italien (1583-1643) qui fut, effectivement, l’organiste de Saint-Pierre de Rome. Mais à côté de Rome, il y eut Florence où Frescobaldi publia, en 1630, deux recueils d’Arie musicali per cantarsi. Plus novatrices que ses madrigaux, ces œuvres, révélées ici de superbe façon par Marianna Flores, Leonardo Garcia-Alarcon et l’Ensemble Clematis qui les entrecoupent de pièces instrumentales, montrent un Frescobaldi égal de Monteverdi dans le tempérament théâtral et l’aisance de l’écriture vocale. Passionnant !

Schon mehrfach sind der junge argentinische Cembalist und Dirigent Leonardo García-Alarcón und seine Ensembles mit erfrischenden, interpretatorisch und programmatisch ambitionierten Platten hervorgetreten – etwa beim Label Ambronay mit Madrigalen und Motetten des Engländers Peter Philips oder mit Madrigalen der unerhört talentierten Venezianerin Barbara Strozzi. Repertoirekenntnis, ein ausgeprägter Sinn für geschickt arrangierte Satzfolgen und eine erstaunliche Stilsicherheit prägten hörbar García-Alarcóns Interpretationen. Ähnlich erfreulich ist die vorliegende Einspielung mit vokalen und instrumentalen Werken aus der Feder Girolamo Frescobaldis (1583-1643) geraten.

Der vor allem als Tastenvirtuose, Improvisator und Komponist anspruchsvoller Werke für Tasteninstrumente gerühmte Italiener war über diesen speziellen instrumentalen Bezirk hinaus zugleich ein durchaus vielseitiger Tonsetzer. Seine 'Arie musicali', die er dem Florentiner Fürsten gewidmet hatte, nehmen mit ihrem erstaunlichen dramatischen Temperament für sich ein, obwohl Frescobaldi in seinem Leben kein geschlossenes musikdramatisches Werk komponierte. Es dominieren vor allem feine Affekte und manches Delikate im Vokalen. Frescobaldi, soviel zeigen diese Sätze, ist durchaus zu Unrecht nicht für seine vokalen Qualitäten bekannt. Sicher, es gibt hier nicht die äußerste affektive Expressivität, wie sie zeitgleich bei Claudio Monteverdi oder Sigismondo d’India zu finden ist. Aber umso wirksamer scheinen die subtil eingebrachten musikalischen Mittel von chromatischer Reizung und variantenreicher Harmonik zu sein – ihre Wirksamkeit ist in einem etwas dezenter dramatisierten kompositorischen Umfeld gesichert, vorzeitiger Verschleiß kaum zu befürchten.

Sehr homogene Interpretation

Das Ensemble Clematis – jeweils einfach besetzt mit Stéphanie de Failly an der Violine, Andrea De Carlo an der Bassviole, Maria Bournisien an der Harfe, Quito Gato an Theorbe und Gitarre sowie Leonardo García-Alarcón auf Cembalo oder Orgel – spielt erstaunlich klangsatt und lotet die Möglichkeiten der schmalen, aber sehr farbig registrierten Besetzung voll aus. In jeder Arie, jeder Canzone oder Toccata werden gemeinsam empfundene Klangsphären geschaffen. Grundlage ist eine agile und zupackende Artikulation – die Violinistin Stéphanie de Failly ist hier besonders hervorzuheben. Und Leonardo García-Alarcón steuert das musikalische Geschehen auf subtile Weise durch sein variantenreiches Tastenspiel.

Interpretatorische Glanzlichter steuert Mariana Flores mit ihrem beweglichen, klangfrischen Sopran bei. Sie singt auf eine wunderbar individuelle Art expressiv, intoniert stark und präsentiert ihre modulationsfähige Stimme mit einem lebendigen, farbenreichen Timbre in für sie denkbar geeignetem Repertoire. Technische Ambition und leichter Klang gehen bei Flores eine wundervolle Symbiose ein. Das alles vollzieht sich in frischen Tempi, mit denen García-Alarcón und seine Mitstreiter feine Akzente setzen und sehr fließende, natürliche Übergänge zwischen einzelnen kompositorischen Abschnitten gestalten. Der Klang ist warm und rund, überzeugt durch ein ausgewogenes Verhältnis von vokalen und instrumentalen Anteilen. Zugleich werden auch die rein instrumentalen Sätze sehr plastisch abgebildet.

Mit dosierter Leidenschaft und zugleich spürbarer Intensität musizieren Mariana Flores und das Ensemble Clematis auf der Basis perfekt ausgebauter technischer Möglichkeiten. Damit wird diese auf hohem Niveau homogene Interpretation der interessanten vokal-instrumentalen Musik Frescobaldis deutlich gerecht. García-Alarcón bringt Frescobaldi nicht gegen andere Größen seiner Zeit in Stellung: Er rechtfertigt ihn aber als vielseitigen Komponisten, der – ästhetisch auf der Höhe der Zeit – weit mehr war als nur ein Orgelvirtuose und Tastenheld.

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Details

Redécouverte d’un compositeur liégeois émigré à Madrid.

Né à Liège vers 1575, Matthieu Rosmarin fut, à la mort de son père, envoyé à Madrid : jeune choriste, il y fut formé par un autre Liégeois émigré à la Cour espagnole, Philippe Rogier.

Fondu dans le microcosme local au point de se rebaptiser Matheo Romero, devenu chantre en 1594, il succédera à Rogier à la tête de la Capilla Flamenca, assumera les fonctions de secrétaire de l’Ordre de la Toison d’Or, sera ordonné prêtre en 1608 et poursuivra sa carrière sous les rois Philippe III et Philippe IV, et même ensuite comme chapelain de Jean IV du Portugal, ce qui explique que nombre de ses œuvres seront perdues à l’occasion du tremblement de terre de Lisbonne en 1755.

Si l’on connaît - un peu - la musique sacrée de Romero (les labels Musique en Wallonie ou Ricercar s’y sont intéressés), son œuvre profane est restée méconnue, alors même qu’on sait qu’il réussit à agglomérer la tradition du madrigal italien avec des éléments hispaniques typiques.

Non éditées à l’époque, les pièces de Romero ne sont connues que par des manuscrits, et l’un d’eux - apparemment offert vers 1620 au Duc de Neuburg à l’occasion d’un voyage à Madrid - a heureusement survécu dans la bibliothèque de cette cour allemande. C’est donc à cette source que l’Ensemble belge (belgo-argentin ?) Clematis a puisé pour ce qui sera une première au disque (chez Ricercar en fin d’année) et qui se révélait, dans le cadre de la thématique "musiciens wallons" du festival de Wallonie 2010, par deux concerts donnés ce week-end à Namur puis à Libin.

Dans la fraîcheur de l’église Saint-Loup samedi, ils étaient treize - huit instrumentistes en ligne à l’arrière-plan, le chef et quatre solistes du chant devant - pour ce qui s’est avéré une révélation passionnante : une quinzaine de pièces chantées évoquant l’amour, la nature, les saisons, requérant de un à quatre chanteurs (on est à la frontière entre la polyphonie et la monodie accompagnée), et enrichies ici d’une section instrumentale étoffée (violon, flûte à bec, violes, vihuelas, harpe chromatique et percussions) sous la houlette de l’Argentin Leonardo Garcia-Alarcon qui avait préparé ce programme et le dirigeait tout en tenant orgue et épinette. Hormis deux ou trois pièces plus convenues par leur style trop purement hispanique (on n’est, ça et là, pas loin du flamenco), on fond d’émotion en découvrant ces bijoux raffinés, aux mélodies entêtantes et aux chromatismes affolants.

Rien d’austère, tant l’accompagnement instrumental vient humaniser le résultat sonore, mais une interprétation idéale d’expressivité : hispaniques ou pas, les solistes - les sopranos Marina Flores et Capucine Keller, le contre-ténor Fabian Schofrin et le ténor Fernando Guimaraes - étaient idéaux.

GIROLAMO FRESCOBALDI 1583-1643
" II regno d'amore », Mariana Flores (soprano), Clematis, Leonardo Garcia-Alarcon.
Ricercar RIC300

Ce n'est pas l'organiste de Saint Pierre de Rome qui est évoqué dans ce nouveau récital consacré à Girolamo Frescobaldi, mais le musicien de la cour de Florence, offrant à son patron d’alors, le grand duc de Toscane Ferdinand II de Medicis, ses Arie musicali(1630) et ses Canzone (1628) composées pour différents instruments. Le programme est ingénieux : pièces exubérantes et festives, puis atmosphères plus sombres et dramatiques, dominées par les monodies en stile recitativo, et retour, enfin, aux évocations dansantes. L’interprétation de l'ensemble Clematis s'avère tout aussi variée. La voix chaleureuse de la soprano argentine Mariana Flores n'est pas sans rappeler ses illustres devancières hispanophones (de Montserrat Figueras à Adriana Fernandez et Rosa Dominguez). De même, la réalisation de la basse continue dans les arie strophiques s’inscrit dans la grande tradition initiée par Gabriel Garrido (dont Leonardo Garcia-Alarcon fut longtemps l’assistant), caractérisée par une abondance de cordes pincées (clavecin, harpe et théorbe ou guitare) et un abus de chitarra battente. La sonorité, scintillante et foisonnante, masque la structure contrapuntique (pourtant prédominante au XVlle siècle) au profit des gestes chorégraphiques, surexposés. Ainsi, Gioite o selve tient plus ici de l’espagnolade que de la chansonnette transalpine. On est davantage convaincu par une Canzona la Bernardina plus économe et finalement plus suave, où l’accompagnement de l’orgue relègue au second plan les cordes pincées, et sert merveilleusement le violon inspiré de Stéphanie de Failly. II faut savourer la tout aussi rigoureuse Frescobalda, sans parasitage intempestif, finement interprétée à la harpe par Marie Bournisien ; le soutien du seul théorbe (Quito Gato) est parfait. Le meilleur reste à venir, avec les bouleversants lamentos, comme la fameuse Maddalena alla croce, au encore le poignant Vanne a carta amorosa. Album inégal, donc, assez attachant ; l’intégrale des Arie musicali autrefois gravée par le Concerto Italiano demeure incontournable (Opus 111). Denis Morrier

Frescobaldi suave et extatique... Langueur extatique d'un amour aux indicibles élans et désirs, blessures secrètes ou solitude déchirée, Madeleine pénitente et inconsolable aux pieds de la Croix, mais aussi, plus rarement, amant comblé par la conquête de Cloride, Mariana Flores déploie la plasticité de son timbre typé, fluide et articulé, dont le grain agissant s'accorde idéalement au geste permanent des instruments souverains...



Enregistré en juin et octobre 2009, le présent programme a bien raison d'éclairer la vitalité expressive de Girolamo Frescobaldi, mort en 1643, qui participe activement à l'élaboration du style lyrique baroque à ses débuts. Porté par le pétulant Leonardo Garcia Alarcon, disciple en ses premières heures de Gabriel Garrido, l'ensemble Clematis développe une attention particulière au relief caractérisé du continuo et du chant: ciselant les seuls affects incarnés par la voix, Frescobaldi nous laisse un recueil d'airs pour soprano, rassemblés sous le titre énigmatique de Frescobalda: hommage à l'être aimée: "épouse, amante, fille" comme le suggère sans se prononcer définitivement la notice très documentée.
Entre Florence et Rome, le génie de la musique, divin organiste à Saint-Pierre de Rome, improvisateur recherché d'inhumaines toccatas, se dérobe et se livre grâce à la seule inflexion de sa musique. Les pièces ici sélectionnées éclairent davantage son heure florentine: le compositeur passe de Rome à la ville médicéenne où il se fixe jusqu'en 1635 car il a su saisir la faveur du grand Duc de Toscane, Ferdinand II. En digne habitant des rives de l'Arno, Frescobaldi aborde la spécialité locale: l'art lyrique, en particulier monodique. Son recueil d'Arie musicali démontre sa maîtrise dans l'art du recitar cantando, art de dire le texte tout en chantant, la musique étant destinée à articuler et colorer les affects du verbe.


Des deux recueils originels, les interprètes architecturent une scène vocale et théâtrale où le chant et les instruments composent un cycle en 3 volets: chants amoureux, sacrés et ballets. L'approche sait éclairer le dramatisme d'une écriture faite pour l'opéra, or Frescobaldi n'en composa jamais. S'il laisse un traité d'une rare clarté (Primo libro de Toccate, 1615, Rome) où les caractère de la secunda prattica sont idéalement appliqués (et commentés) aux instruments, Frescobaldi fut évidemment soucieux de chant, de voix, de théâtralité lyrique. Or tout en étant connaisseurs des dernières avancées de Monteverdi (qu'il rencontre en 1610!) et de Corelli, Frescobaldi, claviériste avant tout, garde un respect indéfectible des règles classiques et anciennes; Alarcon souligne comment le romain qui servit le Vatican et sa liturgie orthodoxe, reste dans la ligne des anciens, mais va jusqu'au bout des ressources de l'expressivité pour changer les formes connues (madrigal, motet, chanson, toccata, ricercare, canzona...) en drames intenses, jamais diffus, toujours parfaitement tenus et mesurés. Entre chaque air, s'intercale une pièce instrumentale où l'instrument soliste tend à égaler l'individualisation de la voix.
Langueur extatique d'un amour aux indicibles élans et désirs, blessures secrètes ou solitude déchirée, Madeleine pénitente et inconsolable aux pieds de la Croix, mais aussi, plus rarement, amant comblé par la conquête de Cloride, Mariana Flores déploie la plasticité de son timbre typé, fluide et articulé, dont le grain agissant s'accorde idéalement au geste permanent des instruments.

Le continuo et les pièces instrumentales intercalaires (délicatesse du toucher du chef organiste dans la capriccio cromatico, plage 13) profitent de la direction fine, nerveuse, exaltée du jeune maestro Leonardo Garcia Alarcon: ce disque est un plaisir de chaque instant, d'une palpitante ardeur, d'une sincérité opulente et concrète, celle d'un coeur passionné, Girolamo Frescobaldi. N'écoutez qu'un seul air, l'irrépressible chant de victoire et de jubilation du berger heureux (c'est si rare!) "Gioite oh Selve", amant conquérant de Cloride que le chef et les instrumentistes font danser sur une jacara suavement déboutonnée (plage 16)...

Girolamo Frescobaldi (1583-1643): Il regno d'amore. Mariana Flores, soprano. Ensemble Clematis. Leonardo Garcia Alarcon, clavecin, orgue et direction.

Pour ses trente ans d'existence, le label belge Ricercar offre (enfin!) à ses pochettes un graphisme plus moderne. Le flacon est cependant bien peu de chose par rapport à l'ivresse que procurera le 300° enregistrement maison, dédié à Frescobaldi. Réalisé par l'ensemble Clematis, "Il Regno d'Amore" a tous les atouts pour séduire les amoureux de musique ancienne. Et convaincre les autres d'y succomber! L'histoire a surtout retenu de Girolamo Frescobaldi, né à Ferrare en 1583, que ce compositeur inventif fut un brillant organiste. Titulaire à la basilique Saint-Pierre de Rome, on s'y pressait par milliers pour venir l'écouter . C'est cependant à sa période florentine (1628-1635) que s'attelle ce disque-ci, qui revisite un recueil de musique instrumentale (les "Canzonis") et deux recueils d' "Arie musicali per cantarsi". La conception de cet enregistrement est remarquable sur le plan musicologique. En associant des pièces instrumentales et arias, il crée un condensé d'opéra, tel qu'aurait pu l'écrire Frescobaldi. Mais au -delà de cette construction intellectuelle, superbe hommage à ce compositeur d'importance, il y a d'abord et avant tout sa musique, servie ici avec toute la lumière et l'éclat qu'elle mérite. Le bouillant chef Leonardo Garcia-Alarcon ne confond jamais vitesse et précipitation, menant tout son petit monde avec une précision sans faille. Les phrasés de la soprano Mariana Florès balisent cette exploration des amours profanes et sacrés avec une limpidité contagieuse, tandis que l'enthousiasme des instrumentistes ajoute les couleurs vitales requises par ce tableau d'époque, que l'on aura rarement aussi bien rendues. St.R.

« Attention, ce disque peut créer une forte dépendance. » C’est l’avertissement qui pourrait figurer sur la pochette d’Il regno d’amore que vient de publier Ricercar et qui marque, avec un raffinement accru de la présentation matérielle, les trente ans de cet éditeur auquel les amateurs de musique ancienne doivent tant de découvertes. Pour réaliser ce brillant enregistrement, l’Ensemble Clematis et son directeur, Leonardo García-Alarcón, sont allés butiner les deux livres des Arie Musicali per cantarsi de Girolamo Frescobaldi, compositeur dont on retient surtout, généralement, les talents de claviériste, et y ont ajouté des pièces instrumentales pour nous offrir une anthologie en forme d’opéra imaginaire de la plus belle eau. Je vous propose de la découvrir, en accompagnant, une fois n’est pas coutume, votre lecture et votre écoute du cycle de quatre tableaux contemporains de L’Albane retraçant la Vie de Vénus auquel j’ai instantanément songé en écoutant la musique.

...Il regno d’amore, qui nous occupe aujourd’hui, explore principalement des œuvres extraites des deux recueils publiés peu avant et durant le séjour de Frescobaldi à Florence (1628-1634/35), où il avait été appelé par le grand-duc de Toscane, Ferdinand II : les Canzoni de 1628 et les deux livres d’Arie musicali per cantarsi de 1630. Dans le premier, le compositeur, en s’appuyant sur la tradition de la canzona, une des formes emblématiques nées du développement de la musique instrumentale en Italie, regarde vers la plus moderne sonate. Dans le second, peut-être stimulé par son séjour dans la patrie de la monodie accompagnée, le voici qui affronte l’héritage de son représentant le plus célèbre, Giulio Caccini (c.1550-1618), en proposant des pièces en stile recitativo, des airs strophiques, mais aussi d’autres plus modernes construits sur des basses de danses (Ruggiero, Passacaglia, etc.), en voyant parfois loin vers l’avenir, comme dans Così mi disprezzate, dont l’alternance entre portions d’airs et récitatifs peut être considérée comme une anticipation de la cantate baroque. On ne peut que saluer la conception du programme du disque qui, entraînant l’auditeur au travers de multiples affetti, conte les joies et les douleurs de l’amour, profane comme sacré, ou les enchantements d’une nature apaisée, en formant une sorte d’opéra miniature, aussi cohérent que délicieux, qui rend justice à la production vocale de Frescobaldi, peu fréquentée en comparaison de ses œuvres pour clavier.

...L’interprétation de l’Ensemble Clematis (photo ci-contre) rend parfaitement justice à la veine sensuelle, dans l’ensemble plutôt lumineuse, des œuvres choisies dans le cadre de cette anthologie. Familiers de cette musique, les musiciens savent d’emblée en exalter les couleurs et, en adoptant des tempos savamment dosés qui ne confondent pas vivacité et frénésie, mettre en valeur les épices (chromatismes, retards, effets d’écho, etc.) que Frescobaldi a semées ici et là, lesquelles jouent ici pleinement le rôle de surprise voulu par le compositeur et qu’une vision moins équilibrée aurait immanquablement aplanie. S’appuyant sur un continuo impeccablement réalisé, où les timbres chatoyants déployés, au théorbe ainsi qu’à la guitare, par Quito Gato et par Marie Bournisien à la harpe, ne sont pas sans rappeler L’Arpeggiata de la belle époque, celle où cet ensemble enregistrait pour Alpha, les solistes instrumentaux peuvent laisser s’exprimer la vaste palette de leurs charmes. La basse de viole experte d’Andrea De Carlo moire d’une parure tendre ou nostalgique les pièces les plus graves, le violon de Stéphanie de Failly, aussi sensible que superbement maîtrisé, se rit des pièges des partitions et brille sans jamais oublier d’être, comme une voix aux troublantes inflexions, le vecteur d’émotions contrastées ; la Canzona la Nicolina, aux humeurs changeantes, en apporte une magnifique preuve. La voix épicée et charnelle de Mariana Flores est, elle aussi, un régal. La diction naturelle et sans aucune affèterie de la soprano permet de saisir les moindres inflexions des textes – on ne redira jamais assez à quel point cette lisibilité est essentielle dans l’interprétation de la musique baroque –, cette qualité étant mise au service d’une véritable incarnation de chacune des Arie. L’auditeur se laisse gagner par l’atmosphère arcadienne de Se l’aura spira, par la joie contagieuse de Gioite o selve, par la désolation d’autant plus poignante qu’elle retient ses larmes de Ti lascio anima mea, à mon avis un des sommets du disque, qui laisse loin derrière toutes les versions que j’ai pu entendre, y compris, excusez du peu, celle de Rinaldo Alessandrini (Opus 111, 1994, avec voix de ténor) ; ces quatre minutes au souffle suspendu justifieraient à elles seules l’acquisition du disque. Il faut également saluer, pour finir, la direction très engagée de Leonardo García-Alarcón, qui, des claviers, mène son monde avec un sens très sûr de ce répertoire, opérant une magnifique synthèse entre allant rythmique et sensibilité frémissante. Le regard qu’il porte sur Frescobaldi est, à mon sens, très équilibré et cohérent ; c’est sans doute pour ceci que tout, dans cette anthologie, sonne particulièrement juste.

Farina, un univers révélé

En 1968, Nikolaus Harnoncourt révélait, dans un disque devenu légendaire, le Capriccio stravagante de Farina. On découvrait alors le monde inconnu, étonnant, coloré et hyper expressif des premiers virtuoses de ce tout nouvel instrument, le violon. Onze ans plus tard, Reinhard Goebel prenait sa suite, avec une version virtuose et très opératique de la Sonata La Desperata. Et puis, plus rien, ou du moins pas grand-chose.
Il aura fallu donc attendre plus de quarante ans après sa résurrection, pour voir enfin arriver le premier disque entièrement dévolu à Carlo Farina, grâce à la curiosité des musiciens de l’ensemble Clematis.
Compositeur à l’existence brève, mal connue, mais assurément très voyageuse, Carlo Farina, né à une date incertaine, aurait été l’élève de Rossi et Buonamente à Mantoue, où il aurait peut-être joué pour Monteverdi. Ce dont on est sûr, en tout cas, c’est qu’il se fait connaître à Dresde comme Konzertmeister d’Heinrich Schütz, et comme auteur de cinq Livres de sonates qui en font l’un des premiers grands compositeurs pour violon. La suite se perd à nouveau dans le brouillard : Cologne, peut-être Bonn, un retour provisoire en Italie et, après un passage à Dantzig, il meurt finalement à Vienne - emporté par la peste disent certains.
Révéler le violon comme instrument de premier plan c’est, à cette époque envahie d’opéra, montrer ses capacités d’imitation, non seulement de la voix humaine mais de tous les sons de la nature - du miaulement du chat à l’aboiement du chien – et, bien sûr, des passions humaines. Pourtant, Farina ne se contente pas de cela et ce disque nous révèle un auteur au style plus introspectif, parfois nostalgique. Opératique, sans doute, mais sans oublier que l’opéra de ce temps est celui, sensible et intériorisé de Monteverdi.
Le choix de confier la basse continue à l’orgue et au virginal, la présence de basses de viole, la couleur du violon de Stéphanie de Failly, la prise de son très chaleureuse, tout concourt à donner à cet enregistrement une teinte mélancolique et intimiste. On retrouve alors dans cette musique des accents rappelant parfois celle de ses contemporains anglais, comme John Jenkins. Confrontée à la version de Goebel, la sonate La Desperata paraît ici moins théâtrale, mais aussi plus fluide, avec un violon plus proche de la voix humaine. Le Capriccio stravagante plein d’humour donne un sérieux coup de vieux à l’enregistrement d’Harnoncourt, bien prudent en comparaison.
Une belle heure de musique à la douce nostalgie très prenante, un répertoire entièrement original très bien interprété. Une vraie belle découverte.

Purcell à l'honneur à Stavelot. Ainsi, lundi, s'inscrivant dans la thématique générale du festival de Wallonie 2009 - Britannia - et par voie de conséquence dans un des jubilés de cette année 2009, l'Ensemble Clematis  rendait hommage à Henry Purcell avec un beau programme alternant pièces instrumentales et pièces vocales.. La matinée était donnée en présence de James Bowman, invité d’honneur du Festival de Wallonie cette année: célèbre contre-ténor - auquel on eût pu, comme à Purcell, conférer ce surnom d'"Orphée britannique" qui était aussi le titre du concert - du sans nul doute apprécier la prestation du plus sud-américain des ensembles belges (à moins qu'il ne s'agisse du contraire):
Commencée par l'ouverture de "Didon et Enée" et logiquement c1ôturéê par la bouleversante mort de Didon (bissée pour l'occasion), la prestation ne fut certes pas toujours un long fleuve tranquille, la chaleur régnant causant aux cordes des problèmes d'accord avant, et parfois même pendant, les morceaux. Mais on apprécia la façon des Clematis de faire respirer cette musique, d'y insuffler juste ce qu'il faut de latinité, de trouver pour chaque instrument le juste milieu entre sobriété et ornementation. Et, surtout, il y eut la très belle prestation de la soprano Mariana Flores, voix puissante - presque trop pour le réfectoire des moines! - et tempérament de feu, plus à l'aise encore dans la tragédie - la scène "Tell me, sole pitying angel", la superbe plainte de "Fairy Queen" ou bien sûr la mort de Didon - où son tempérament dramatique éc1ate splendidement, davantage que dans la poésie de "Sweeter than roses" où son expressivité maximale peut confiner au maniérisme. . . 

De Carlo Farina, né à Mantoue probablement aux alentours de 1600, l'histoire musicale a surtout retenu le "Capriccio Stravagante", redécouvert fin des années 1960 par Nikolaus Harnoncourt. Cette pièce étonnante multiplie les imitations de cris d'animaux et d'instruments. Elle ne résume cependant que très partiellement le talent de ce musicien compositeur, influencé comme tant d'autres par Claudio Monteverdi. L'on saura donc gré à la violoniste belge Stéphanie dé Failly et à son ensemble Clematis, dirigé ici par Leonardo Garcia-Alarcon, de nous offrir, en plus du «Stravagante», un florilège de pièces représentatives de l'art de Farina, écrites lors de son séjour à la cour de Dresde. Pavane, sonate, canzon, balletto ,passamezo:1a diversité des formes traduit celle des caractères, mélancoliques, graves, enjoués - voulus par un compositeur qui a su allier' à]a fois virtuosité et intériorité, mais dont une bonne part de l’œuvre a hélàs disparu. Ce disque séduit d’autant plus qu’il évite les effets théâtraux au profit d’une interprétation brillante mais sans tape-à-l’oeil, dosant avec tact et sobriété les atmosphères propres à chaque pièce. Car il y a chez Farina une dualité permanente entre le rire et le désespoir, entre la farce lumineuse et la mélancolie rêveuse. Entre les deux extrêmes, c'est à toute une palette d'émotions que nous invitent entre autres le violon baroque de Stéphanie de Failly, l’alto de Girolamo Bottigleri, le théorbe de Thomas Dunford... Le climat général, que certains trouveront peut-être un peu trop mélancolique, traduit en tout cas une très belle cohérence dans l'approche d'un compositeur qui méritait nettement mieux qu’un quasi oubli.

Il y a toujours un mélange de l’esprit de finesse et d’un appétit de belles saveurs dans le travail de Stéphanie de Failly, Leonardo Garcia-Alarcon et l’ensemble Clematis. Des qualités qu’ils mettent au service de Carlo Farina, un Mantouan qui a recueilli chez Monteverdi le goût de l’expressivité. Le tout culminant dans un imposant Capriccio Stravagante.

« Un disque consacré au violoniste Farina ne pouvait pas s'envisager sans cette pièce emblématique » prévient Jérôme Lejeune, directeur artistique de l'enregistrement et du label Ricercar, accessoirement troisième gambiste au sein de l'Ensemble Clematis. Difficile en effet de proposer un disque Farina sans son oeuvre la plus célèbre, ce Capriccio stravagante qui pendant plus d'un quart d'heure s'évertue à imiter avec de simples instruments à cordes le sifflement de la flûte ou le miaulement du chat. Si les interprètes réussissent avec panache et élégance ce numéro de transformisme musical, leur projet Farina ne se réduit pas à une succession d'acrobaties. L'artiste fut certes un des premiers à oser les pirouettes avec son violon et à les acclimater à la cour de Dresde où il exerça ses talents sous la direction de Schütz. Mais ce natif de Mantoue, a dû auparavant croiser Monteverdi et aurait même pu, son état civil demeurant incertain, participer à la création de L'Orfeo. Cette hypothèse autorise alors les interprètes à entendre dans le croisement des archets de Farina l'écho des polyphonies vocales de Monteverdi. Aussi la sélection des pièces comme leur interprétation dévoilent-elles un portrait particulièrement expressif du compositeur, sujet à l'inquiétude (Sonata detta la Desperata) et à la mélancolie (Sonata detta la Farina). Défendue par des avocats aussi convaincants que ceux de l'Ensemble Clematis, cette idée s'impose sans peine. Stéphanie de Failly fait entendre un violon baroque des plus lyriques et chaque musicien rivalise de goût pour illuminer la polyphonie (Pavana III) sans perdre l' équilibre des lignes (Sonate detta la Moretta). L'oeuvre de Farina ne se réduit effectivement pas à son Capriccio Stravagante.

Etait-il nécessaire de consacrer un album entier à Carlo Farina, auteur de cinq publications dont est proposée ici une habile sélection? Oui, pour découvrir, au-delà du redoutable et fameux Capriccio stravagante et de ses imitations d'instruments traditionnels et d'animaux, un tout autre visage du compositeur-violoniste de la cour de Dresde. Ses sonates attentives à l'expression la plus délicate du discours, à mi chemin entre les esthétiques italienne et germanique, mettent en valeur le violon non seulement pour sa virtuosité mais surtout pour la richesse émotionnelle de son grain (en particulier la Sonata detta la Farina). L'enregistrement propose également des pièces pour basses de viole, qui charment autant par leur galbe mélodique que par leur économie de moyens. L'ensemble belge Clematis ne cherche pas la séduction facile. Son discours ne cède jamais aux tics de phrasé de plus en plus courants dans ce type de répertoire; il s'épanouit sans recours à l'outrance, à travers un bon équilibre des parties et un vrai sens de la respiration. Le violon au timbre pur de Stéphanie de Failly se mêle à l'orgue coloré (et au virginal) de Leonardo Garcia-Alarcon. A leurs côtés, signalons le théorbe et la guitare joliment inspirés de Thomas Dunford, ainsi que les trois basses de viole, bien charpentées.

La démonstration de l’ensemble belge de la musique baroque Clematis au festival d’Alexandre Roudine « Dédications » à la salle Vrubel de la gallérie Tretyakov fut l’ouverture musicale de la saison.

Les cinq musiciens de l’ensemble belge Clematis ont crée un miracle stricto sensu dans les murs de la gallerie Tretyakov. Dans l’entourage du pittoresque modernisme de Vrubel, l’ensemble a présenté la musique de l’époque baroque, en reconstituant littéralement, à travers les mélodies de Purcell, Monteverdi, Cavalli, Farina, Zamponi, une autre dimension dans l’espace et dans le temps. Une telle profondeur et un tel effet réussissent rarement à des plus grands musiciens qui travaillent depuis les dernières décennies sur les anciennes partitions : l’écart entre la mentalité moderne des interprètes et la sensation presque mystique de l’harmonie, du rythme cadencé de l’Univers, qui faisait naître la musique dépourvue de dissonances, reste infranchissable. Très souvent, la reproduction de la musique baroque, même avec des instruments authentiques, s’apparente comme une sorte d’expérience intellectuelle, intéressante pour les interprètes et l’auditoire, mais qui ne parvient pas, en réalité, à approcher ce phénomène de la substance musicale « initiale».

C’est exactement ce miracle, rarement atteint ailleurs, dont les musiciens de l’ensemble Clematis ont fait une démonstration. Dès les premières mesures de la Chaconne pour cordes et basse continue de Henry Purcell, ils nous ont épaté par sa noble sonorité et son équilibre sonore raffiné, gravé dans chacun des instruments de l’ensemble. Dans le Ground de Purcell pour le clavecin, la sensation de liberté, de limpidité de l’air musical, tissé de sons légers dépourvus de chair, ont été cultivés ; dans la Sonate en trio pour deux violons et basse continue du même Purcell, les instruments sont rentrés dans une communication tendre et frémissante, magnifique par son côté naturel et sa simplicité fragile et céleste. Dans la salle de Vrubel, les Clematis ont joué non seulement la musique du mystérieux génie anglais mais également les compositions de ses contemporains peu connus actuellement - les virtuoses européens : raffinée et pleine de coquetterie, la sonate de Carlo Farina, dansante et impétueuse Ciaconne de Nicolaus A Kempis, joue avec des motifs juifs la sonate en dialogue de Salomone Rossi. Et dans chacune de ces œuvres, ils ont souligné l’intonation individuelle de l’auteur, bien que pour l’oreille subtile de l’auditoire moderne, toute cette musique retentissait d’un seul courant suave d’harmonie.

La révélation absolue dans le répertoire pourtant bien connu des chansons et des arias de Purcell et Monteverdi par vocalistes du baroque, fut la chanteuse Marianna Florès, la soprano argentine. La voix de Florès fragile, chaude, émanant de l’intérieur, en même temps passionnée, « latine », sensuelle. Dans son interprétation, chaque aria est habillé en monologue dramatique, mis en musique avec des vibrations de la voix et de l’humeur les plus subtiles. Dans « Sweeter than roses » de Purcell, cette voix flottante au dessus de douces cordes pincées, tendre, avec une intonation en rien dépersonnalisée, scintillait des couleurs, en atteignant l’exaltation ; dans l’aria de Laura dans l’opéra du Purcell « La Reine des fées » sur le motif « Le songe d’une nuit d’été » de Shakespeare, sa voix littéralement respirait, ruisselant, dissolvant et renaissant de nouveau au bout du souffle. La célèbre scène des adieux et de la mort de Didon dans l’opéra du Purcell « Didon et Enée » a sonné non comme une prière ou une plainte, mais comme une confession d’une âme gracieuse d’une poète, saisie d’un sentiment profond, d’une angoisse d’un immense cosmos, dont le mystère se découvre au moment de l’agonie. Et ce mirage intérieur, fusionné avec la confession, a tellement épaté le public, qu’il est devenu clair, pourquoi à l’époque de Shakespeare et Purcell, c’était surtout l’art qui réunissait dans une seule foule les gens de la rue et les aristocrates.

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Выступление ансамбля барочной музыки из Бельгии "Клематис" (Clematis) на фестивале Александра Рудина "Посвящение" во Врубелевском зале Третьяковской галереи стало музыкальным открытием сезона.

Пять музыкантов из состава бельгийского ансамбля "Клематис" сотворили в прямом смысле чудо в стенах Третьяковской галереи. В антураже экспрессивного живописного модерна Врубеля ансамбль представил музыку барочного времени, буквально воссоздав через звуки Перселла, Монтеверди, Кавалли, Фарины, Дзампони другое измерение пространства и времени. Такого рода погружения и эффекты редко удаются даже именитым музыкантам-аутентистам, десятилетиями работающим со старинными партитурами: зазор между современной ментальностью исполнителей и тем уже почти мистическим ощущением гармонии, мерного ритма Вселенной, порождавшими музыку, принципиально лишенную диссонансов, остается непреодолимым. Зачастую воспроизведение барочной музыки даже на аутентичном инструментарии выглядит своего рода интеллектуальным экспериментом, интересным как исполнителям, так и слушателям, но реально не приближающим к феномену той "первичной" музыкальной субстанции.

И именно такое редко достижимое чудо продемонстрировали музыканты "Клематиса", с первых же тактов "Чаконы" для струнных и баса континуо Генри Перселла поразившие своей благородной акустикой и утонченной балансировкой звука, инкрустировавшей каждый инструмент в общем ансамбле. В Граунде Перселла для клавесина культивировалось ощущение простора, прозрачного музыкального воздуха, сотканного из легких, словно бесплотных звуков, в перселловской же Трио-сонате для двух скрипок и баса континуо инструменты вступили в очень трепетную и нежную коммуникацию, восхитительную своей естественностью и хрупкой неземной простотой. "Клематис" исполнили во Врубелевском зале не только музыку загадочного английского гения, смело соединявшего в своем творчестве культуру таверны с аристократическими музыкальными традициями, но и сочинения ныне мало известных его современников - европейских виртуозов: изящную и полную кокетства Сонату-мавританку Карло Фарины, танцевальную стремительную Чакону Николауса А Кемписа, игривую, с еврейскими мотивами Сонату-диалог Саламоне Росси. И в каждом произведении подчеркивали индивидуальную авторскую интонацию, хотя на изощренный современный слух вся эта музыка звучала сплошным сладким потоком гармонии.

Абсолютным же откровением даже в популярном у вокалистов-барочников репертуаре песен и арий Перселла, Монтеверди стала певица Мариана Флорес - сопрано из Аргентины. Голос Флорес - хрупкий, теплый, словно светящийся изнутри, одновременно страстный, "латинский", чувственный. Каждая ария в ее исполнении отделана наподобие драматического монолога, положенного на музыку, с тончайшей нюансировкой звука, настроения. В Sweeter than roses ("Слаще, чем роза") Перселла этот плывущий поверх щипковых и тихих струнных нежный голос с чуть обезличенной, "белой" интонацией изливался, сверкал красками, достигая экзальтации, а в Арии Лауры из перселловской оперы-маски "Королева Фей" по мотивам "Сна в летнюю ночь" Шекспира буквально "дышал" звуками, струясь, растворяясь и вновь рождаясь на выдохе. Знаменитая сцена прощания и смерти Дидоны из оперы Перселла "Дидона и Эней" прозвучала не с мольбой и жалобой, а как исповедь утонченной поэтической души, охваченной бездонным чувством, переживанием огромного космоса, тайна которого открывается в предсмертные мгновения. И этот внутренний мираж, слитый с исповедью, потряс публику так, что стало ясно, почему во времена Шекспира и Перселла именно искусство соединяло в одну страждущую высокого толпу людей с улицы и аристократов.

Ирина Муравьёва

Le moins qu’on puisse dire, c’est que les musiciens de cette jeune formation belge ne reculent pas devant l’originalité. Créés en 2001 par la violoniste Stéphanie de Failly, les Clematis viennent de ressusciter brillamment un opéra de Gioseffo Zamponi (mort en 1662), Ulisse all’isola di Circe, le premier opéra jamais donné à Bruxelles (1650).

Pour cette production donnée au Printemps baroque du Sablon, l’ensemble était placé pour la circonstance sous la direction de Leonardo Garcia Alarcòn (par ailleurs claveciniste attitré de l’ensemble Elyma). Côté disque, l’ensemble Clematis entreprend le défrichement du patrimoine musical baroque de son pays.

Après un CD consacré aux Symphoniae du belge Nicolaus a Kempis, voici un disque Carolus Hacquart (1643-1703), autre compositeur belge, toujours pour la collection Musica ficta du label Pavane. Longue vie donc aux Clematis et qu’ils nous fassent découvrir toujours plus de joyaux du répertoire belge.

Plus de renseignement sur le site de l’ensemble : www.clematis-ensemble.be

“...Samedi à Flagey, la clôture du Printemps Baroque s'est placé sous le double signe de la surprise du ravissement, avec la découverte d'une oeuvre oubliée de Giuseppe Zamponi, Ulisse all'isola di Circe, le premier opéra composé et représenté à Bruxelles en 1650.
C'est à l'opiniâtreté de la violoniste Stéphanie de Failly que l'on doit avoir mis la main sur cette partition somptueuse composée dans le plus pur style de l'opéra vénitien et dont les pages les plus réussies sont dignes du talent d'un Cavalli. Zamponi s'est certainement laissé inspirer par son illustre compatriote pour l'écriture de cette oeuvre dont la richesse d'invention est source d'un plaisir sans cesse renouvelé. Leonardo Garcia-Alarcón est un autre artisan essentiel de cette redécouverte, à laquelle il nous a permis de goûter en dirigeant l'ensemble Clematis depuis le clavecin et l'orgue, insufflant à la réalisation instrumentale très variée de ce concert un enthousiasme et une vivacité qui ont grandement compensé les quelques approximations d'une mise en place manquant un peu de poli dans sa finition.
Parmi les huit solistes réunis, la soprano Céline Scheen a brillé d'un éclat particulier : sa présence radieuse, la pure beauté de son timbre et la luminosité de son expression ont fait d'elle une Circé de rêve. A ses côtés, nous avons particulièrement apprécié l'élégance de Marie-Noëlle de Callataÿ et la fraîcheur décidée de Betsabée Haas.
Malgré un investissement dramatique incontestable, Furio Zanasi a déçu dans le rôle d'Ulisse, entaché d'une certaine instabilité et d'une intonation parfois peu rassurée. D'autres lui ont soufflé la vedette, comme la basse Matthew Baker, le contre-ténor Damien Guillon et le ténor Stephan Van Dijck, très convaincant en ses meilleurs moments... ”

On ignore quasiment tout de la vie de ce compositeur néerlandais au nom bizarre (que vient faire ce « a » entre son prénom et son nom ?), né au tout début du XVIIe siècle, mort en 1676, sans doute à Anvers. C’est dans cette ville qu’il publie dans les années 1640 trois recueils deSymphoniae assorties de quelques pages vocales marqués par une nette influence italienne, sans que l’on sache s’il a jamais traversé  les Alpes ou si sa connaissance de la musique vénitienne et florentine est livresque. Quoi qu’il en soit, le texte très documenté signé Philippe Beaussant donne le maximum d’informations sur cet Ovni musical.

Les Symphoniae pour violon(s), viole de gambe et basse avec l’appoint d’instruments à vent (flûtes, cornets, trombones) sont dans la droite ligne des première sonates d’Uccellini, Marini et quelques autres : leur virtuosité est soigneusement encadrée puisque Kempis écrit avec précision les ornements. Leurs cellules mélodiques et rythmiques concises et contrastées participent d’une vraie flamme expressive et d’un goût évident des combinaisons sonores étranges. Pour une, deux ou trois voix, les motets sont moins sophistiqués, plus proches de pages vocales de Rossi que de Monteverdi. Il s’en dégage une simplicité fervente et des élans mesurés qui ne manquent pas de charme – comment résister aux épanchements doloristes du Ad te suspiramus !

L’Ensemble Clematis met tous ses atouts au service de cette musique méconnue. Les chanteurs sont à la fois efficaces et sobres, notamment l’excellente Céline Scheen, admirée à Bruxelles dans la production de l’ Eliogabalo de Cavalli dirigée par Jacobs. Dans les Symphoniae, les instruments répondent avec assurance aux exigences des partitions : beaucoup découvriront ici la violoniste Stéphanie de Failly, brillante dans plus d’un passage, déclamant avec une belle liberté les « récits sans paroles » de Kempis, et , on outre, directrice artistique de ce jeune ensemble.

Triple découverte : le compositeur Nicolas à Kempis, dont on ne sait presque rien sauf que la musique italienne du lui être familière ; le jeune Ensemble Clematis, avec l’excellente Stéphanie de Failly au premier violon et à la direction ; le nouveau label Musica Ficta, centré sur les pratiques d’interprétation de la musique ancienne.
Dont acte : l’enregistrement rassemble une série de Symphoniae, à considérer comme autant de sonates en trio, de haute virtuosité, pour divers instruments, ainsi que des motets confiés à Céline Scheen, soprano, Stephan Van Dyck, ténor, et Dirk Snellings, basse. Le tout cumulant maîtrise et joyeuse créativité. Pochette en rapport, signée Bernard Mouton et Philippe Beaussant.

« …Mardi, on put ainsi découvrir l’Ensemble Clematis, trois bons musiciens-viole de gambe, théorbe et clavecin-réunis autour de Stéphanie de Failly, excellente violoniste à la sonorité épanouie et à la technique impressionnante... »
Nicolas Blanmont (La Libre Belgique 2002)